どインパクト朴訥エンタティナー

 

2019年に、創作した楽曲はINSTOCHIKAGAMIRUMENTALという作品集としてまとめました。完成とはならなかったものや今年に入ってから完成させたものはTOCHIKAGAMIRRORとしてまとめようとしています。4曲ほどが完成しています。

基本はその日、仕上がりそうな1曲を立ち上げる前のウォーミングアップにおいて次の作品として発展しそうなモチーフを軽く録音していきます。数種類のモチーフを別々に録音しておいて、その日の気分で題材を選んで仕上げていきます。コードに関しては知らないコードを存分に鳴らしている気がする時もありますが調べてみればいつものコードだったりすると思います。

楽曲の創作を進めている最中に、新しく鳴らそうと思うそのフレーズはその日だけに生まれる紛うことなき瞬間であるために、頭の中で和音の名前や進行を考えている余裕がありません。よくよく考えてみればその時のそれはF#m7かもしれません。しかし和音を調べている余裕は常にありません。漠然と表現したい塊は次の瞬間には完成していなければならぬという気持ちなのにそれにもかかわらず完成していないことは酷くもどかしいったらありゃしない状態なのであります。

思わず忘れてしまうわけにはいかないその時だけの鳴らしたいあやふやなものを決して見失わぬようにひとまず鳴らして録音することを優先させています。そう、コードネームやコード進行それは雑念、ではなくてむしろ崇高な嗜好の時間ともいうべきものでしょう。何事においてもこの冷静な科学的なアプローチというものは腰バッグから常に取り出せる状態にしておくべきでありましょう。

しかし私の場合、この創作の瞬間に限ってはコードネームやコード進行は一旦腰バッグの中にしまっています。開いたとしてもあまり理解できる時間を持ちません。もっとも必ず和音を鳴らすというわけでもなく、低音のこの音を鳴らしている時にここの音から半音上がる雰囲気がなんかいいなぁ、というようなことをしているうちにそれをベースとして本日限りのメインテーマが浮上してくる確率が非常に高いです。全般にわたってこのような感覚です。

コード進行は基本的には成り行き任せです。と言っても一応ピアノでのフレーズが作品の骨格になっており、それを元にリズムを鳴らしその骨格を裏切らんばかりのグルーヴを考えあぐねます。そのうちにまぎれもなくそのフレーズの中のツボの場所が見えてきます。そうしたらそのツボを中心にうねりを起こしていきます。

多くあるパートそれぞれのフレーズたちがせめぎあったり譲り合ったり時にはバッティングしたりしている中で、その全体で鳴っている音楽の心地よさというものをノリを感じながら音量とパンやエフェクトを調整しながら見極めていきます。本来のコード感が失われている場合も、コード感を無くすか残すかはその全体の心地よさで判断していきます。

さて、クラシック音楽の気に入った楽章をタブ譜化することにいったいどのような意味があるのかと問われても答えられません。ただし各々惚れ込む箇所があるというところが絶大に大切であり、その箇所を個人的にはギターで再現してみたという音楽への分析が非常に憎くめなくもカッコつけたくなる自分であって、創作における脳内のレアなカスタム変革が訪れたのであると自分で言ってしまうにはどうもおこがましさが過ぎると言ってしまっても過言ではないでしょう。

有名なあのピアノコンチェルトの3楽章は今でもギターで弾くことがありますが(ほんの出だしだけ)、個人的なおすすめはポリフォニックなシンフォニーです。ミニチュアスコアを1stヴァイオリンを中心にまるで野鳥の動きを捉えるかのように広い視野で追っていきます。特に注意して読み込むのではなく全体を大気の揺らぎを感じるように読むことこそがとても大事です。

そう、そして正確には話すように弾くことができたらなおよろしいのです。聞き耳をたてるのもいいけれども音を使って話すことはことのほか必要以上に重要です。また、空想の中にのみ存在する宝玉を手に握りしめている気持ちになって、そこからにわかに手の中で確かな宝玉の重みを感じつつあるようになる弾き方を伝授できませんが、まずはやはり話せないと思わずにあのたくさんある鍵盤を使って気持ちの全てを自由に会話しましょうと言いたいわけであるわけなのであります。

個人的な課題としては、わりかしリズムが簡素化していることと1曲においてTEMPOが一定過ぎているところかなと感じています。無論数分の曲ではありますがTEMPOにもう少しグラデーションを取り入れたいところです。ただし数パートならばともかくも数分の曲の中でたくさんあるパートのそれぞれの音色をより自由なTEMPOで揺らしたりするなど、行えないとも言えない気もしないでもないですが、なるべくは機材一つでさっぱりと完成させたいものであります。

ただ想定外のお話をさせていただくのであるならば、曲の進行が電子音で満たされた音楽で始まりながらも徐々に生オーケストラの楽器の音へと切り替わっていき、それと並行して逆に生ドラムによる空気感のあるリズムが曲の進行に合わせていつの間にか電子音のリズムトラックに変わっていくというような、さらに詩の内容が徐々に時代を遡っていく、もしくはより未来へとタイヤが折りたたまれていく、というようなことを実際によりオーセンティックかつメロディアスな現場で具現化してみたいものです。

さぁ、縦ピアノの上が飾り物置き場になってしまっているそこの、おととい銀座線の三越前のエスカレーターですれ違ったそこのあなた!違う君じゃなくて君の後ろの!そうあなた!は?何がって?この際音楽を鳴らしちゃいましょう。早くしないと地球の生き物たちも含めた平和のための基礎が幻になっちゃいますよ。みんなで一緒にああだこうだいいながら弾きたくなって鳴らしちゃえばいいのでしょう。一人一人のそれが底のほうで深いつながりを持つ静かで確かな平和への一音なのです!さぁ!

え?調律から始めるの?

 

Do Impact BokuTotsu Entertainer

The songs created in 2019 have been compiled into a collection of works called INSTOCHIKAGAMIRUMENTAL.
Anything that was not completed or completed this year will be put together as TOCHIKAGAMIRROR. About 4 songs have been completed.

Basically, on that day, as a warm-up before starting to make a song that looks likely to be finished, we will lightly record a motif that is likely to develop as the next work.
We record several types of motifs separately, and select and finish the subject according to the mood of the day.
There are times when I feel like I’m playing a chord I don’t know about a chord, but when I look into it, I often find that it’s a chord I’m familiar with.

During the process of creating a song, the phrase I want to play a new song is an unmistakable moment born only on that day, so I can’t afford to think about the names and progression of chords in my head.
If you think carefully, the chord of that day may be F # m7.
But I can’t always afford to study chords. What we want to express vaguely must be completed the next moment, but nevertheless it is very restless to say that it is not completed.

We give priority to sound recording for the time being so as not to lose sight of the strange thing that we want to sound only at that time that cannot be forgotten by mistake.
Yes, chord name and chord progression Is it unnecessary? Well, no, it’s a rather sublime taste time.
Originally, this cool scientific approach should always be accessible from your waist bag.

However, in my case, only at the moment of creation, the chord name and chord progression are once stored in the waist bag.
Even if you open it, you don’t have much time to understand. However, it does not always sound a chord.
For example, if you play “I like the atmosphere of going up a semitone from this sound when playing this low tone,” there is a very high probability that you can come up with a main theme only for that day based on that phrase. Such feeling throughout.

Chord progression basically depends on the mood of the day. Even so, the phrase on the piano is the skeleton of the work, and based on that, I think of a groove that sounds a rhythm and seems to protrude from that skeleton.
Eventually, you will see the important key points in the phrase.
Then we will swell around the key points.

As each phrase of many parts competes for the main melody or entangles the sound, the volume, pan and effect are adjusted while feeling the groove of the comfort of the music playing as a whole.
Even if the original sense of chord is lost, whether to eliminate or retain the sense of chord is determined by the overall comfort.

By the way, I can’t answer what exactly it means to make a tablature of a favorite movement of classical music.
However, it is extremely important that we all have movements that make us want to hum.
I personally analyzed that part with a guitar,
Rather, analysis from various angles or different genres may be very meaningful.
But it’s only a joke to say to myself that a rare custom transformation in the brain of creation has happened to me.

I still play the 3rd movement of the famous piano concerto on the guitar (just the beginning), but my personal recommendation is a polyphonic symphony.
The miniature score is tracked with a wide field of view, as if capturing the movement of a bird, centered on the 1st violin.
It is very important to read the whole thing so that it feels the turbulence of the atmosphere instead of reading it with special care.

Yes, and more precisely, I wish I could play to speak.
Listening is good, but using sound is more important than necessary.

Also, while feeling like holding a jewel that exists only in fantasy with your hand, you can not teach how to play gradually starting to feel the weight of a real jewel in your hands,
First of all, I want to say that I can talk freely with all my feelings using that many keys without thinking that I can not talk to the piano.

As a personal issue, I feel that the rhythm has been simplified and that TEMPO is too constant in one song.
Of course it is a song for a few minutes, but I want to add a little more gradation to TEMPO.
However, it is not impossible to raise and lower each tone of many parts in a few minutes of music with more free tempo, but I want to complete it as much as possible with one piece of equipment as much as possible.

In addition, I will tell you an unexpected story, but while the progress of the song starts with music filled with electronic sounds, it gradually switches to the sound of a live orchestra instrument, and in parallel with it, the reverse It is said that the rhythm with a sense of reality gradually changes to an electronic rhythm track as the music progresses, and at the same time the contents of the poem gradually go back in time or the tires are folded toward the future I would like to realize such thinking in an authentic and melodious setting.

Well, the other day you passed by me on the escalator in front of Mitsukoshi on the Ginza Line! On the vertical piano of your house is a decorative shelf
! Wrong! You who are behind you, not you!
Yes you! What? What is it? At this time, let’s play music.
If you do not do it early, the foundation for peace, including the creatures of the earth, will be hallucinations.
I guess it would be nice to play together while saying various things together.
It’s a sound that leads to a quiet and secure peace with a deep connection at the bottom! Now!

e? Do you start with tuning?